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En la sección «Archivos Pendientes» Alejandro Brena: una entrevista inédita a Charly García

Unísono – Más de 560 grupos y solistas de todas las provincias y estilos musicales difundieron su arte a todo el país en 79 emisiones por la pantalla de la Televisión Pública.

Producido por el Instituto Nacional de la Música (INAMU). Unísono difunde grupos y solistas que producen su música de forma independiente, con la palabra de sus protagonistas quienes presentan sus obras desde sus hogares al tuyo. Con el apoyo de grandes referentes de nuestra música presentando a las agrupaciones. Además, videos especiales, homenajes y sorpresas.

Mirá todos los programas de 2021 y 2020 en www.inamuaudiovisual.musica.ar

Quienes en cada emisión presentan a los grupos y solistas. Participaron del programa: León Gieco, Mariana Carrizo, David Lebón, Gustavo Santaolalla, Hilda Lizarazu, Patricia Sosa, Peteco Carabajal, Ariel Ardit, Liliana Vitale, Diego Frenkel, Bruno Arias, Charo Bogarin, Willy Quiroga, Sandra Mihanovich, Palo Pandolfo, Julia Zenko, Victor Heredia, Mavi Díaz , Miguel Cantilo, Andrea Álvarez y el «Mono» de Kapanga, Juan Carlos Baglietto, Rubén Patagonia, Celeste Carballo, Nito Mestre, Diego Capusotto, Pedro Saborido, Marcela Morelo, Rodolfo García, Litto Nebbia, Patricia Malanca, Bruno Arias, Claudio «Tano» Marciello, Verónica Condomí, Coquimarola y Las Hermanas Vera, Moris, Antonio Birabent, Miguel Mateos, Fabiana Cantilo, Alejandro Medina, Lula Bertoldi, Boom Boom Kid, Edu Schmidt, Miguel Ángel Estrella, Nelly Gómez, Andrea Marenzon, Claudia Puyó, Ale Sergi, Annelle Moroder, Esteban Conde (ADICORA), Mario Figueroa (OFADAC), Chango Spasiuk, Piñon Fijo, Attaque 77, Lidia Borda, Roque Narvaja, Yamila Cafrune, Bernardo Baraj, Susy Shock, Susana Rinaldi, Gustavo Gauvry, Raúl Porchetto, Los Auténticos Decadentes, Marián Farías Gómez, Mariela Ruggeri, Diego Vainer, Pipi Piazzolla, Roxana Amed, La Mona Jiménez, Elena Roger, Ariel Leyra, María Garay, Tweety González, María Rosa Yorio, Hugo Marcel, Celsa Mel Gowland, Rubén Rada, Ligia Piro, Richard Coleman y Adriana Varela.

Pandolfo fue un compositor y poeta capaz de dotar de nuevos sentidos a la canción rockera y su aporte -más o menos palpable- es una referencia ineludible de la música popular argentina de las últimas cuatro décadas.

El artista nacido como Roberto Pandolfo el 22 de noviembre de 1964 en el barrio de Flores, tuvo tempranamente clara su ligazón con el rock y en su secundaria técnica Ingeniero Huergo encabezó a guitarra y voz el grupo juvenil Sempiterno.

Apenas un año después de aquella experiencia iniciática, dio impulso a Don Cornelio y la Zona junto a Alejandro Varela (guitarra), Claudio Fernández (batería), Federico Ghazarossian (bajo), Fernando Colombo (saxo) y Daniel Gorostegui (teclados), inaugurando una embriagadora síntesis entre el final del sonido punk y el acento criollo.

Solo dos discos (el primero homónimo, de 1987 y con producción de Andrés Calamaro; y luego “Patria o muerte”, de 1988), regalaron piezas que marcaron rumbos sonoros y poéticos.

Además del hit «Ella vendrá», «Tazas de té chino», «El rosario en el muro», «Espirales», «Patearte hasta la muerte», «Luna de fuego», «Cabeza de platino» y «Tarado y negro», construyeron un ideario posible para la nueva música afirmada en esta parte del mundo, toda una declaración de principios que le valió ser elegido como número de apertura de Iggy Pop en el estadio Obras.

“Fuimos psicobolches reconvenidos en modernos de un día para el otro lo que duró un año, el 1984; en 1985 éramos románticos, en el 86 ya éramos dark, en el 87 y 88 post punk y en el 89 ya no se sabe qué carajo éramos porque perdimos totalmente el norte”, repasó Pandolfo en charla con Télam en abril de 2015.

La separación de la banda no puso en crisis la vena creativa e inconforme de Palo que manteniendo únicamente al bajista Gahzarossian (en relación a la formación de Don Cornelio), alumbró otra experiencia sonora con Los Visitantes.

En una formación de octeto, la agrupación marcó para el músico su primera experiencia en relación a ritmos vinculados con el folclore y también con lo latinoamericano, aunque su primer suceso, “Playas oscuras”, registrado en “Salud universal” (1993), pareció ser una herencia musical de la anterior banda.

Ya con “Espiritango”, otra vez con producción de Calamaro, el conjunto empezó a mostrar esa otra vasta vertiente de colores locales y regionales, una experiencia que tuvo su punto cúlmine con “Maderita” (1996) a partir de canciones de alto impacto como “Estaré”, “Tapa de los sesos” y “Bip bap um dera” en las que su líder fundó un estilo impostado para cantarlas.

Con cambios de formación incluidos, Los Visitantes cumplieron una década de actividad (publicando en ese período “Desequilibrio” y “Herdio de distancias”) y Palo inició su tránsito solista en 2001 con “A través de los sueños”.

En solitario también publicó “Antojo” (donde reversionó a Radiohead, David Bowie, Mano Negra, Spinetta, Calamaro y Los Visitantes) con invitados como Richard Coleman, Charly Garcia, Colombo, Los Súper Ratones, Adrian Dargelos, Juanchi Baleiron, Juan Subirá, Fabian Von Quintiero, Ariel Minimal y Gringui Herrera.

Y luego, al frente de un grupo que denominó El Ritual lanza “Ritual criollo” donde su abanico incluye la canción, la cumbia, el tango, el cuarteto y el rock en comunión con Lidia Borda, Peteco Carabajal, Tito Losavio, Lisandro Aristimuño, Pablo Gignoli, Santiago Fernández, Gustavo Senmartin y Rodrigo Guerra, entre más.

En busca de compañías estables para llevar adelante sus canciones, dio forma a un nuevo grupo, La Hermandad, con el que hasta 2019 registró “Esto es un abrazo”, “Transformación” y tres ediciones de “El vuelo del dragón” donde repasó su historia.

Una buena manera de apreciar sus procesos creativos pudo apreciarse en el documental “Transformación” (2018) donde Iván Wolovik visita esa intimidad de Pandolfo al momento de encarar un disco.

“Aquí lo que pasó es que había una reflexión sobre el pasado, pero mirando hacia adelante. Hay pocos registros de un referente del rock en su gran etapa creativa y dando un gran salto», dijo Wolovik a Télam en febrero de 2018.

Palo cultivó, además, una faceta mediática con programas musicales en canal Encuentro (poniendo la voz en off para el ciclo de documentales «Quizás Porqué» sobre el rock argentino) y en Radio de la Ciudad («Pensamiento Libre», los martes a las 21).

Hace dos semanas, había publicado el single «Tu amor», un dúo con Santiago Motorizado que junto a «El alma partida» conformaban los anticipos de un próximo álbum.

Pero este jueves a las 14.25 mientras caminaba por la avenida Díaz Vélez al 5200, Pandolfo se desvaneció y ni la llegada de una ambulancia del SAME ni la intervención de profesionales del Hospital Durand pudieron evitar su fallecimiento una hora más tarde, dejando en estado de estupefacción a toda la cultura nacional.

La previa del recital de este sábado se inició una semana atrás cuando Palo estrenó “El alma partida”, reflexiva y poderosa canción que transita desgarro y cierta desesperanza, que hace vibrar con poesía conmovedora.

Producida por Juan Belvis y Juan Giménez Kuj y grabada en el estudio “Los Elefantes” en octubre de este año, funciona como una nueva demostración de que Palo es una de las figuras más influyentes del denominado rock nacional. Al mismo tiempo, el audio vino acompañado por un videoclip, idea original de Palo, que fue dirigido por Alejandro Diez y cuenta con la participación de la bailarina Ayelén Guevara.

El recital de este sábado, de acuerdo a lo que adelanta Palo en charla informal con El Patagónico, girará en torno a un “repertorio de guitarra criolla o acústica; y, también, de ‘canciones a secas’” en el que, obviamente, interpretará “El alma partida” y dará a conocer “Madrigal”, nuevo estreno-adelanto del próximo disco, transposición de la popular composición renacentista al rock criollo, pero con letra oscura, “atroz”.

En el recorrido por su obra musical, Palo también sumará la interpretación de “Visores”, “Cabeza de platino” y “Cenizas y diamantes”, emblemáticos temas de su etapa “Don Cornelio”; “El ente”, “Risa roja” y “El deseo de Evita”, de “Los Visitantes”; y “A través de los sueños”, “El grito del chimango”, “El leñador” y “Un reflejo” de su etapa solista o con la “La Hermandad”, entre otros.

Pero, esta vez, junto al multiinstrumentista Juan Belvis que estará a cargo de las guitarras acústica y eléctrica; sintetizadores y piano, lo que generará nuevas perspectivas a canciones paridas en distintas eras de la historia musical del cantautor.

A la generación musical que Pandolfo, acompañado por Belvis, producirá sobre el escenario se sumará una contundente producción visual a cargo de Leo Vaca, reconocido fotoperiodista argentino. “Hace mucho tiempo venimos haciendo cosas juntos con Leo y la producción que propone para este sábado está genial”, se entusiasma Palo.

“Este recital es en vivo –reafirma-. El streaming se transmitirá en el mismo momento del show presencial, lo que está buenísimo porque tenés la adrenalina flotando en el ambiente; no es algo que se grabó para reproducirlo luego en la red, ocurrirá en el momento, un flash”.

Quienes tienen la posibilidad de estar presentes en el Espacio Cultural Mugica ya agotaron las entradas para el concierto de las 22, por lo que se programó una “función trasnoche” para satisfacer la demanda que generó la reaparición pública de Palo Pandolfo.

En tanto, desde el streaming se podrá disfrutar del show desde las 22 a través de la plataforma TicketHoyLive

https://bue.tickethoy.com/presencial-y-streaming/palo-presentando-canciones-nuevas-en-streaming

Lejos de acomodarse en una zona de confort, Palo volverá a mostrar este sábado su incesante necesidad de exploración musical, la misma necesidad que desde la década del ’80 hasta el presente lo llevó a transitar los caminos del dark y el postpunk, rock, tango, folklore y música rioplatense. El buceador que encuentra y sigue buscando. El que conmueve desde la incesante creación artística.

Y esa mala escritura es también una alegoría de la figura del cantante de Sumo y su cocoliche oral, mezcla de un dialecto italiano bien capitalino, un inglés de pronunciación perfecta y un castellano porteño y lunfardo. Una pintada que, de haberla visto, sin dudas lo haría reír muy fuerte y, al mismo tiempo, indignarse por el error.

Esa dicotomía, ese ying y ese yang, es una buena manera de acercarse al mito de Prodan a 30 años de su deceso.

Un rockero de mente más que abierta, pero a veces dogmático para juzgar a sus camaradas. Un hombre que se exilió para escapar de su adicción a la heroína, coma hepático mediante, pero que abrazó a la ginebra como paliativo. Una figura que parecía machista, pero que era adorado por las numerosas mujeres que lo frecuentaron. Un tipo de una cultura extraordinaria que no dudaba en mezclarse con los seres más lúmpenes. Un ser pelado adrede, con un aspecto que podía dar miedo en esa época, pero que escondía una sensibilidad mayúscula. Un cocinero exquisito que, en sus últimos tiempos, prácticamente no se alimentaba. Un compañero que no dudaba en criticar en público a uno de los suyos como Roberto Pettinato pero que, al mismo tiempo, le expresaba su amor en privado.

Y en esa primavera alfonsinista donde parecía haber un futuro ilimitado, el humor en el rock era algo casi vedado salvo para Luca, Los Twist y, un poco menos, Miguel Abuelo.

Ahí estaba Luca en directo con “La pierna de mi abuela”, un hueso infecto que sacaba de un bolso ídem y que servía generalmente como intro de Kaya.

O esa entrevista radial en la que le preguntaron por la música de Miguel Mateos y la respuesta, en voz bien bajita, fue “Zas”.

O el hecho de tener al Hermano José, un mozo del bar de Humahuaca y Gallo, sirviéndole ginebra en vivo en Obras o a un doble de Gustavo Cerati, a quien introdujo como “músico invitado”, en los shows del Teatro Astros.

A todo eso hay que sumarle la barba dividida de Pettinato, las veces que Germán Daffunchio tocó con brazos de pulpo entrelazados con su guitarra o los golpes que Luca le propinaba a Ricardo Mollo en medio de sus incendiarios solos.

Detalles que asombraban por lo disparatado y que aún hoy, con la ventaja que da el recuerdo que se transforma en leyenda, lucen revolucionarios.

Ese gastado calificativo no suena a hipérbole a la hora de hablar de Sumo.

Sus discos son un testamento sonoro que, si bien no envejeció nada, no es completo a la hora de recordar el todo, más allá de esas inevitables quejas de los rockeros con sus discos viejos desde lo técnico (el “Hoy sonaría mucho mejor y distinto”, dicho por casi todos como un mantra, sin tener en cuenta que esas limitaciones dan a esos registros un encanto único e irrepetible).

Pensar entonces a Sumo de la misma forma en la que el Abuelo Miguel pensó a su grupo: como una estrella de 6 puntas en las que cada una pudiera brillar a su antojo.

De ahí que las canciones fueran en su mayoría firmadas en conjunto y que luego de la muerte de Luca la descendencia musical de Sumo (Divididos, Las Pelotas, Pachuco Cadáver y las incursiones jazzeras de Pettinato) no subestime a su público ni maneje la complacencia o la demagogia.

“La muerte no es el fin”, supo cantar Bob Dylan, y una vez más volvemos a los opuestos complementarios para hablar del deceso de Luca.

Según los testimonios de quienes lo frecuentaron en sus últimos días, el final anunciado por el propio Prodan se contradecía con su internación para curarse del alcoholismo tras cobrar un dinero que SADAIC le adeudaba, y la sustancia que lo llevó al más allá sería la misma a la que había renunciado para vivir en nuestro país y a la que le dedicó uno de sus mejores temas.

Nunca tendremos una respuesta verdadera.

Sí sabemos con exactitud que en el último show, el domingo 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andres, junto con Los Violadores, Sumo abrió y cerró con Fuck You, un hit under incluido en Corpiños en la madrugada, su debut discográfico que vio la luz originalmente en forma de casete.

Fue la única vez que el grupo interpretó ese tema 2 veces.

Y no hay mejor epitafio ni testamento para un embanderado de la libertad como Luca Prodan que ese gesto.

Luca is not dead.

CANCIONES

1- La rubia tarada

​El primer hit de Sumo es el ABC del «universo Prodan»: una fotografía (bajo un ritmo funk inédito acá hasta entonces) de los “chetos” discotequeros de la época por parte de un punk rocker extranjero que no necesitaba quedar bien con nadie. «¡Esta sí que es Argentina!»

2- El ojo blindado

Una de las grandes canciones punk argentinas de todos los tiempos, plagada de imágenes demenciales e interpretada por un combo que sonaba aceitadísimo, que dialogaba a velocidad supersónica con un Luca en su apogeo.

3- No Good

​Pudo haber sido Regtest o El reggae de paz y amor o No acabes o La gota en el ojo, pero No Good muestra a un Prodan que con su voz (más relajada que nunca) se anima con éxito a la versión lovers (“melódica”) del género jamaiquino.

4- Crua Chan

​Las gaitas (con el nombre propio del instrumento los fans conocían este tema antes de su aparición en After Chabon) dominan la melodía de una marcha militar escocesa: un grito de guerra por parte de un italiano que siempre amó a la nación más díscola del Reino Unido.

5- Mañana en el Abasto

Si La rubia tarada era una mirada nocturna de la Argentina, Mañana en el Abasto es su contracara diurna y porteña: una descripción de un barrio que en ese momento estaba abandonado por el cierre del mercado.

La muerte de Prodan nos privó de su opinión sobre el shopping que se erige ahora en ese solar.

6​-Noche de paz

​“La versión punk y nuestro vano intento de tener un hit navideño”, escribió Pettinato para esta adaptación en 3 idiomas del tradicional villancico.

Una broma que iba a tener su coronación el 30 de diciembre de 1987 cuando Sumo tocaría en Cemento, lo cual no ocurrió por la muerte de Luca.

Opiniones colegas

Andrés Calamaro

“Dicen que Luca estudió en los mejores colegios británicos, donde se educa a los aristócratas y la clase dirigente. Bohemio y ex convicto de la vida, llegó a las sierras de Córdoba para vivir una vida distinta y quitarse de la manteca, el flagelo de su propia generación, peste en las venas.

Callejero, MC y natural born leader, llegó a la Argentina (y al rock) justo cuando lo necesitábamos.

Alguien tenía que poner en hora los relojes. Traer el viento de Londres, el reggae, Joy Division o Ian Dury.

Eso por citar algunas de las influencias de este autentico príncipe y mendigo, con biblioteca que prefería disimular. Con instinto y encanto. Un caballero con callos en las venas y sin demasiadas pulgas.

También venía a decir lo que tenía que decir.

Quizás quiso cantar en un grupo que le pudiera recordar a Velvet y al folk punk de los subterráneos de Londres. No sabemos quiénes eran sus amigos en Inglaterra; quizás se mezcló con jamaiquinos para fumar y escuchar reggae. Está claro que había visto muchos recitales y sabía qué hacer con un micrófono.

Y en el escenario era genio y figura. Siempre con la misma camiseta, capaz del rock sublime o de bajarse a pelear con el publico de las primeras filas si alguien lo estaba fastidiando.

A pesar de sí mismo terminó liderando un grupo de poderío instrumental y habilidades instrumentales. Encontró almas gemelas, gente tranquila de barrio, músicos buenos que le dieron cuerpo al Sumo definitivo; un sonido que escapaba, quizás, de las expectativas del propio Luca.

Era amable y cálido. Como todos los ex adictos al opio, llenaba los espacios vacíos con licor.

Y Luca dejó un vacío improbable de llenar.

Sumo es su legado y él mismo (simbólico, humano y existencial) su propio legado también.

Sigue faltando ‘lo que diría Luca’, las cosas como él las hubiera hecho.

Una vez viajamos juntos a Mar del Plata. Puesto a elegir autobuses elegí el de Sumo: desodorante de ambiente y fumar hasta llegar. Hablamos de música: ‘Tom Waits es una buena mezcla de Dr John y Captain Beefheart’. Y cantaba a capella con unas guitarras que tiraba Ricardo desde unos auriculares de Rockman.

Guardé, sin darme cuenta, aquella grabación hasta que un grabador ‘se comió’ la cinta, varados cerca de la frontera del Uruguay y Brasil… Quiero creer que hubiéramos grabado juntos y mucho, con nuestras máquinas domésticas de grabación. Que hubiera sido un actor importante en mis grabaciones más destroyer y aventureras.

Ariel Minimal

“Una sola vez vi a Sumo en circunstancias medio raras: fue en los carnavales del Club Deportivo Español. Primero tocó una orquesta típica de paso doble. Cuando arrancó Sumo se sumaron los percusionistas de la orquesta: se ve que les pidieron que se quedaran y tocaron todos juntos.

Y Luca lo hostigaba a Mollo mientras hacía los solos, tirándole espuma de carnaval. Fue un recital increíble.”Ariel Minimal, cantante y guitarrista de Pez. (Juano Tesone)

Santiago Motorizado

“Nunca fui muy fan de Sumo, pero siempre me pareció genial su universo y todo lo que generaron. Me pasó varias veces de estar escuchando y preguntar: ‘¿Esto qué es? Es Sumo’.

Como que sus mejores temas no son los hits. Me gusta que a su universo rockero, moderno y de vanguardia le agregaran humor. Y me pasa que la figura del rockero reventado no me interpela, pero sí esa cosa que tenía Luca de querer tocar todas las noches con múltiples proyectos.»

Palo Pandolfo

“A Sumo lo conozco en vivo en el 84 en un show en La Alcantarilla, en Plaza Serrano. Ese show fue el principio de un fanatismo loco: terminé arriba de una silla sacudido por el éxtasis de ese groove bailable, oscuro y pesado, y de esa voz gutural.

1984 es un año determinante: se grabó el primer disco de Soda Stereo, Gulp de los Redonditos, Charly grabó Piano bar, y se formó Don Cornelio.

Ver a Sumo en ese año fue como un acompañamiento para esa sensación de libertad, esa recuperación de la calle y de la noche. Luca acompañó todo ese proceso y fue como un chamán cultural, un abrecabezas.”

Gillespi

​“Sumo ensayaba en un sótano en El Palomar. Estuve un rato y nadie me abría la puerta, mientras escuchaba que estaban ensayando.

En algún momento salió uno con unos envases de cerveza y me mandé. Entré y todos me miraron mal. Y Pettinato, que me había citado, dijo: ‘Él es un trompetista. Hagan de cuenta que me compré un pedal’.

Ese fue mi único ensayo antes del show del Chateau Rock, que fue un par de días después. Ahí me subí a tocar sin tener la más puta idea de nada. Y en la previa Luca me dijo: ‘Vos mirame a mí, y si yo te digo Vos tocá, vos tocás’.

Fue la única marcación que me hizo y así estuvimos toda la noche. El show salió en la tapa de la revista Pelo, y la nota decía: ‘Con la incorporación de un trompetista de free jazz, que según Luca se llama Marcelito’. Y todo ese año, que fue el último, toqué con ellos.»

Sergio Rotman

“Lo que siempre trato de contar a los que no vieron a Sumo es que la idea que tienen de cómo sonaban es la opuesta a cómo en realidad sonaban.

Sumo era una banda de post punk que tocaba un reggae bastante oscuro. Cuando rockeaban no recurrían a la distorsión per se sino que estaban en algún aspecto cercanos a Joy Division y Wire.

Pero lo que más me impresiona es que el legado de Sumo es de aguante, ya que esa especie de concepto de que Luca era un reventado rocanrolero no es cierto.

Los vi mucho en distintos lugares y la sensación siempre era de una banda hostil de la que uno siempre aprendía.”